Naturaleza como musa

     [Patricia Fernanda Herryman]

         Podemos decir con gran seguridad que la naturaleza y todo lo que la compone ha estado a la vanguardia de la escultura por siglos. La complejidad y elegancia que vemos en las represas hechas por los castores y la delicadeza en las telas de araña son solo algunos ejemplos de obras de arte que ya podemos encontrar en entornos naturales. Como artistas hemos buscado inspiración en la naturaleza y hasta la hemos tratado de imitar. Jaime y Javier Suarez Berrocal son los artistas puertorriqueños responsables del colectivo Vientre Compartido. Estos gemelos buscan incorporar la naturaleza y todo lo que la compone en sus obras artísticas. Crean dentro de un espacio abierto en la naturaleza y de manera poco invasiva, ya que en muchas ocasiones utilizan materiales encontrados en donde mismo expondrán su obra. De esta manera manteniendo un balance en la naturaleza. Buscan una relación directa, y respetuosa, con el espacio.

            Nichos, un proyecto realizado en los terrenos del nuevo hotel Ritz Carlton en Dorado, Puerto Rico es muestra de cómo una obra de arte puede fundirse en la naturaleza. Los nichos fueron realizados con un esqueleto de alambre en el que se tejieron distintos patrones hechos de yerbas marinas, las hojas finas que sueltan los pinos y las fibras internas de los cocos. Todos estos materiales fueron recolectados durante el periodo de un año. Para un total de dieciochos nichos, variando en tamaño desde los seis pies, hasta no menos de un pie. Las estructuras son de un peso liviano, huecas por dentro y con aperturas externas. En el suelo, alrededor de los nichos, los artistas crearon patrones de figuras geométricas. Estos patrones se llevaron a cabo utilizando semillas de girasol, trigo, maíz y arroz. La incorporación de estos granos ayudo también a atraer animales al proyecto, entre ellos aves que encontraron una estadía en los nichos.

[Patricia Fernanda Herryman]

Arena, mar y viento

        [Erika M. Martínez Ramírez]

       Efímero, pasajero, breve… Son algunas de las palabras que menos tomamos en consideración cuando pensamos en arte. Pero, “¿qué es arte?” ¿Acaso existen unos requisitos ineludibles para calificar concretamente que es arte? Convencionalmente, puede uno pensar que arte es aquello que crearon los grandes artistas del pasado, lo que se expuso en los Salones, y hoy día en las galerías y museos. Sin embargo,  ¿cuán seguros podemos estar de lo que es arte en nuestra contemporaneidad?  El misterio radica en la subjetividad de la respuesta, tal y como dijo alguna vez Hume, “el gusto es individual, solo hay que cultivarlo.”

            En cambio, la caracterización efímera mejor describe la producción artística de Andrés Amador. Arena, mar y viento, junto a un rastrillo, son el medio y la herramienta que Amador emplea al momento de crear sus monumentales obras perecederas. Se podrían considerar como obras partícipes del movimiento denominado como Land Art, en el cual se utilizan materiales como la tierra, rocas, madera y elementos que la propia naturaleza nos obsequia. El artista, originario de San Francisco, comienza el proceso de creación con bocetos que en ocasiones se ve forzado a modificar mientras está creando sus obras. Debido a que su trabajo está subordinado al pasar del tiempo y las condiciones atmosféricas, este artista se ve forzado a comenzar sus obras temprano en la mañana con aproximadamente dos horas para el proceso, dependiendo de la pieza a realizar. Una vez llega a la playa designada, comienza haciendo un boceto lineal sobre la arena, luego emprende a darle forma y sobras hasta que llega el momento donde obtiene, desde las alturas, la imagen perfecta de lo que pretende representar. En la gran mayoría de ocasiones vemos obras de formas orgánicas como flores y hojas, pero también percibimos líneas curvas con movimiento simulando y recordando que una de sus variables en contra es el viento. En contra, pues es este, quien en ocasiones le gana al agua, esa guerrera malvada que destruye todo a su paso, y se encarga de desmoronar las obras de Amador con su movimiento invisible e inesperado como fantasma.

Andrés Amador. Flowers I, Santa Cruz, CA.

            Tal vez los patrones le sean familiar y lo son si han observado los hermosos jardines del Palacio de Versalles. Estos famosos jardines franceses, no son otra cosa que hierbas o arbustos que crecen en patrones diseñados por la mano del hombre que le otorga dicha forma, recordándonos su dominio sobre la misma, a diferencia de las obras de Amador donde los factores de la naturaleza son quienes dominan el tamaño y la duración de las mismas. Otra diferencia es que los arbustos de los jardines franceses tardan meses en tomar su forma completa, mientras que las obras de Amador no llegarán, en la mayoría de los casos, a ver un nuevo día. Pero no es de alarmarnos, pues entre la definición del arte efímero según José Fernández Arenas  - sin escapar de la ironía de  su apellido- , en su libro Arte efímero y espacio estético, menciona que el valor del  arte efímero reside en ser consumido. Debe ser un deleite poder observar en directo la creación de tan espléndido trabajo, que lamentablemente no llegara a museos, pero como el propio artista comenta, al día siguiente tendrá un nuevo lienzo. 

[Erika M. Martínez Ramírez]

Andrés Amador. Santa Cruz, CA.

Jardines de Versalles. 

Para más información sobre las obras de Andrés Amador:

http://www.andresamadorarts.com/

Se reparten Lágrimas de oro en el teatro

         [Angelía Mar Rivera Barreto]

            Alejandro Jodorowsky, es un hombre que no cree en una revolución política, sino en la poética. Dicen que es un incansable creador de ideologías y caminos. De ascendencia judeoucraniana, nacido en Chile, comparte nacionalidad francesa. Es dramaturgo, cineasta, poeta, se ha dado a conocer a nivel internacional por su psicomagia y es el autor del cuento Lágrimas de Oro, presentado recientemente en Casa Cruz de la Luna, San Germán. Dirigido por Eury Orsini, el grupo Vueltabajo Teatro se basó en Lágrimas de Oro para combinar elementos del teatro con el “performance” y la cinematografía. Se compone de manera compactada elementos del teatro de la crueldad, teatro pánico, teatro de la muerte y utiliza medios de la plástica para la incorporación de objetos tridimensionales al escenario.

            El cuento narra el cruel destino que vivió Dominguito, un niño que de repente comenzó a llorar, pero no como cualquier persona lo haría, sino como ya se ha titulado el mismo cuento, Lágrimas de Oro.  La familia, estupefacta ante esta situación, poco a poco le rasgan la vida al pobre niño, explotándolo como un producto hasta más no poder. Van creando estrategias para causarle llanto y capturar sus lágrimas, hasta inmunizarlo al dolor  y hacerlo menos sensible. De oro, el niño pasa a llorar miel y también le explotan. Al final, ya Dominguito se enfrenta a su familia, y les dice que les va llorar las últimas lágrimas de miel para darles vida eterna. Lo que sucedió fue tal, que les dio, asimismo la muerte. El grupo teatral Vueltabajo recrea este corto cuento, nutrido de variantes del teatro de la vanguardia del siglo XX, especialmente del teatro de la muerte que habló Tadeusz Kantor en su manifiesto. Compone el entorno teatral como un todo que les permite formar la obra y combinar elementos de performance, danza y plástica, logrando un nivel sensual complementario, sin estar estrictamente alejado de nuestra desordenada cotidianidad.

foto: Alejandra Maldonado

            A modo detallado, esa noche del viernes donde transcurrió la presentación, a eso de las ocho y media, se abrieron las puertas de Casa Cruz de la Luna. Pagamos nuestra taquilla, nos hicieron firmar y nos dieron los papeles correspondientes, uno de ellos con el cuento entero. Al entrar a la sala, nos recibieron con una música con órgano, como si estuviéramos accediendo a una Iglesia Medieval. Desde nuestras sillas cómodas, podíamos ver el proyector que apuntaba hacia el fondo de una tela blanca. Hasta los técnicos de sonido y luces eran visibles y cómplices del espectáculo que transcurriría.

            Comenzó la obra, hay una silla en el escenario y un cuerpo vestido de blanco rondándola. Luego aparecen dos más, vestidos de negro con máscaras. Los cuerpos están pensados para comunicar el dolor y la crueldad desde el movimiento y no desde la voz ni la dramatización. Se proyectan como entes mediadores, entre el espacio performativo que es el escenario. Luego los tres cuerpos en escena se turnan la silla desde donde se desata el transcurso de los dolores que la familia le hace pasar a Dominguito.

foto:Alejandra Maldonado

            Tal como lo postuló Samuel Beckett, el dramaturgo irlandés, en su ensayo "Quad", cada parte compone la pieza, y eso está claro. No hay elemento que no haya sido pensado de importancia para la obra. Y los cuerpos junto a la proyección visual y los sonidos junto a los espectadores van interactuando constantemente.

            El elemento corporal fue una de los rasgos más importantes de toda la pieza. Era el medio principal de los actores que también se les podría llamar entes. La preparación, el detalle y la desmesurada crueldad aterrorizaban e impresionaban. No eran unos cuerpos que deleitaban comodidad y placer para que el vidente se relajara, sino que se espantara y el algún momento reaccionara hacia lo que estaba predicho para el niño que lloraba lágrimas de oro. Este acercamiento hacia la realidad desde una perspectiva corporal recuerda a lo que pensaba Berlot Brecht sobre la crítica de la realidad. No se busca acomodar al ojo visor a sentirse agraciado, al contrario, busca despertar desde una perspectiva negativa la apreciación artística, y aquí es donde más complicada estaba el asunto. Puesto que es evidente que no es viable quedarse tranquilos ante lo que sucede aun con toda la perfección que el grupo trabaja la pieza, en el fondo aspira a que nos demos cuenta de que somos cómplices y víctimas de lo que le sucedió a Dominguito y apenas nos quedamos sentados viendo la injusticia con la que degradaron su vida los inhumanos parientes.

foto:Alejandra Maldonado

            Hubieron partes específicas en las que no podíamos escoger la pasividad, nos incitaban a entrar a la trama, fuese tomando un pedazo de cinta para ahorcar a Dominguito, o siendo tocado por una mano gigante, o bebiendo miel, o arrojando orina, pero no íbamos a poder escapar ni quedarnos como meros voyeristas. Más bien, sádicos y casi familiares del niño.

            De que la pieza nos aterrorizó a algunos, sin duda, por la forma en que se proyectó el dolor y la crueldad descrita por Jodorowsky. Tampoco hay duda en que al final nosotros también hayamos adquirido vida eterna junto a los familiares de Dominguito, o sea, la muerte. Lágrimas de Oro tiene nada que no haya sido imprescindible para pasar por alto algún detalle artístico; fue un deleite colaborativo y un trabajo que toda persona debe pasar a ver y formar parte. Firmar su pacto con el tiempo y casi como una varicela, no es posible trascender la realidad sino vemos de cerca la crueldad que vive cerca de nosotros. 

[Angelía Mar Rivera Barreto]

foto: Alejandra Maldonado

"Despite the fact that we may be suspected and even accused

 of a certain scrupulousness, inappropriate under the circumstances,

in destroying inborn prejudices and fears,

 for the sake of a more picture and possible conclusions

let us establish the limits of that boundary, which has the name;

THE CONDITION OF DEATH

for it represents the most extreme point of reference,

no longer threatened by any conformity,

FOR THE CONDITION OF THE ARTIST AND ART"[1]   

Tadeusz Kantor

---

[1 ] "De cierta meticulosidad, inapropiada bajo las circunstancias,

En destruir innatos prejuicios y miedos,

Para el beneficio de mayor imagen y posibles conclusiones,

Permítanos establecer los límites de esa línea divisoria, que lleva el nombre;

LA CONDICIÓN DE LA MUERTE,

Para que represente el más extremo punto de referencia,

No más amenazado ante la conformidad,

POR LA CONDICIÓN DEL ARTISTA Y DEL ARTE"

foto: Alejandra Maldonado 

 Para adquirir más información sobre esta presentación y el grupo Vueltabajo teatro:

http://www.vueltabajoteatro.com/vueltabajo/lagrimas-de-oro.html

                   

Reevaluación de la tradición

Reseña sobre la exposición de Jaime Rosa

[Angeline M. Medina]

         La galería de arte del Departamento de Humanidades del Recinto Universitario de Mayagüez le brindó a la comunidad la oportunidad de conocer la obra del artista ponceño Jaime Rosa. Bajo un espacio tenue e íntimo, cada pieza en la galería demostró el gran dominio del óleo que emplea el artista, lo cual resulta en piezas con una brillantez muy atractiva. Las obras exigen verse bajo una luz distinta, y no nos referimos solamente a la característica iluminación de la sala. Su estilo lleva al espectador a un espacio de tiempo alterno, más reflexivo y no tan propenso al efectuosismo de la pintura moderna. Sus estudios e influencias del Barroco se deslumbran claramente en estas pinturas. Cada sujeto en sus pinturas toma posición central, enfatizado por el efecto de claroscuro que uniformemente emplea en sus piezas. El impasto, les proporciona una vitalidad a dentro de la penumbra a su alrededor. Resulta irónico la cualidad tan refrescante que adquirimos de sus piezas en contraste con la corriente estética contemporánea que encontramos en estos tiempos, donde solo la expresividad importa en la ejecución de una obra, creando así una de un grado puramente personal e individual. Las pinturas del artista, en cambio, sí exponen sus intenciones y pensamientos, pero de una forma que el público se puede identificar y asimilar.
            Jaime Rosa hace uso de recursos contemporáneos al estilo que emplea sus obras. Los contrastes fuertes de luz y sombra en las figuras, la fuerza del rojo como foco de luz en una escena completamente a oscuras se intensifican mediante el clarooscuro y el impasto que proporciona en sus colores. Debido a la selección de colores estas pinturas se pueden percibir de una expresión tranquila o hasta calladas. Sin embargo, dentro de sus matices se vislumbran un mar de palabras y pensamientos. Inquietudes en torno a la paternidad, como Rosa bien comunicó en su apertura, reflejan preocupaciones en relación a la fugacidad de la vida que encontramos frente a la sutileza inerve de Cruz de Marta sobre fondo blanco, sentimientos de ansiedad y preocupación ante lo desconocido, como en El grito; alusión a la protección de padre a los suyos, lo cual se remite a Jaime Durmiendo  y Niña Durmiendo, y cuestiones en cuanto a la sensualidad y el género personificadas en Sin título (pareja).

Cruz de Marta sobre fondo blanco

Jaime durmiendo (detalle)

Niña durmiendo

Niña durmiendo (detalle)

            
              

                                                                                                                        

        Se crea una alusión a los agitados pensamientos humanos, intranquilos y en constante movimiento. Llega un punto, sin embargo, cuyas reflexiones continuas coinciden entre sí y se materializan en nuestra mente. Es en este punto donde nos encontramos con nuestros propios pensamientos. Es en este modo de reflexión como la obra de Rosa se manifiesta ante el publico. De una manera sutil y muy poética vemos como la exposición comienza y culmina con un infante, lo cual nos lleva a figurar el estado turbio de un padre ante la inclusión de una nueva vida y la reevaluación que sigue a sus valores y creencias iniciales.

 [Angeline Medina]

Sin título (pareja, detalle)

Galería de Humanidades

            Jaime Rosa es actual profesor de la Ponticia Universidad Católica de Puerto Rico en Ponce. 

Un lente voyerista

[Omar Montalvo]

Un estilo de fotografía que pocos muestran interés hacia el mismo y aquel que lo realiza, y niega cualquier tipo de vínculo con ese tipo de ambiente. Es así como se le podría describir a la fotografía voyerista. Fotografía poco comprendida, en muchas ocasiones llamada pornografía y mirada por muchos con desprecio. Podríamos definir el voyerismo como la acción de contemplar a una o varias personas desnudas o realizando un acto sexual. Pero una traducción literal del término francés “voyeur” podría ser “mirón”. Y es así como podemos catalogar a la artista Merry Alpern quien con su libro de fotografías Dirty Windows de 1994, recreó la visión que tendría un voyerista.

La serie Dirty Windows consta de una compilación de fotografías tomadas desde un apartamento, el cual pertenecía a una amiga de la artista, ubicado cerca del sector de Wall Street en Nueva York- frente a un club de sexo económico. Alpern colocó su cámara con un lente telefoto en dirección hacia el baño del local, capturando así los sucesos que ocurrían en él. Las diversas fotos tomadas, revelan escenas crudas de la forma de vivir de los que acudían a dicha casa de sexo aledaño a uno de los centros de negocio más importante del mundo. Hombres, mujeres, drogas, sexo y lujuria son algunas de las escenas capturadas por el lente de Alpern.

Dirty Windows

Todas estas escenas nos hacen pensar en cómo es la vida de esas personas fuera de ese círculo social. Trabajadores, padres de familia, esposos o madres que buscan como ganarse la vida mientras otros buscan relajarse después de un día de trabajo, claro está, a su propia manera. Solo podríamos especular acerca de cómo son las vidas de estas personas. Lo único que no podríamos especular es el mar de sentimientos que nos hacen sentir estas fotos. Sentimientos fuertes pero que no nos impiden quitarle la vista de encima, demostrando así que todos llevamos ese personaje fisgón dentro de nosotros. ¿Acaso, Alpern quiere decirnos que todos somos voyeristas por naturaleza? Personalmente observo estas fotografías y pienso, ¿seremos observados o fotografiados diariamente sin que nos percatemos? Quien sabe cuántas veces hemos sido atrapados por la mirada de personas mientras realizamos actos como los que nos expone Alpern en sus fotografías.

 No solamente la artista Merry Alpern lleva ese personaje fisgón dentro de sí misma. Kohei Yoshiyuki cuenta con una serie de fotografías en infrarrojo en la cual el tema también se centra en el voyerismo. Escenas de personas  teniendo algún acto sexual mientras son observados por otras personas. Kohei logró capturar las escenas sin que las personas en el acto sexual ni los voyeristas se dieran cuenta de que eran observados por él.

The Park

Esto nos hace pensar si estas fotografías podrían caer en la categoría de ilegal ya que fueron tomadas por los artistas sin el consentimiento de los que en ellas salen. Pero al darle una mejor mirada a las fotografías, en pocas de ellas se les puede ver la identidad a estas personas. La privacidad de estas personas fue invadida por estos artistas sin que ellos estuvieran de acuerdo con ello. Muchas de estas fotografías nos hacen pensar cómo podríamos categorizar estas fotos. ¿Cómo usted categorizaría estas fotografías? ¿Arte? O ¿Pornografía?... más aún, ¿tal clasificación es posible?

Libro Dirty Windows

Merry Alpern 

   

Tatuaje como arte

[Kiara Liane Meléndez Cruz] 

Nuestra isla se encuentra en un estado de evolución artística, es decir, los puertorriqueños aún examinan el arte desde una perspectiva muy tradicional. El tatuaje como medio artístico se encuentra en una posición de debate y aceptar el tatuaje como arte es aún un tabú para muchos. 

El arte corporal, a través de la historia, es considerado un tema sumamente amplio desde una perspectiva antropológica. Decorar el cuerpo humano es una actividad realizada por el hombre desde casi su propio origen. Se conocen un sinnúmero de maneras para marcar el cuerpo, como lo son las perforaciones, cicatrices, manipular las formas del cuerpo a unas no naturales, entre otras. El tatuaje no es nada nuevo, no es un fenómeno  moderno. Un cazador de la edad de bronce (3,300 AEC), nombrado como Otzi fue encontrado el 19 de septiembre de 1991 enterrado en la nieve de los Alpes italianos por unos turistas. En sus espaldas y coyunturas tenía unas marcas, que aunque no se veían como un dibujo reconocible, se comprobó científicamente que eran parte de un tratamiento curativo de acupuntura.  Moviéndonos más adelante en el tiempo, los marineros fueron los responsables de importar la moda de los tatuajes en el occidente.  Aproximadamente en año 1771, los marinos visitaron Tahití en expediciones para explorar nuevas tierras.  En ese viaje intercambiaron prácticas culturales que les llevó a aprender de esta forma de marcar el cuerpo.

La palabra tatuaje es de origen oceánico, viene de la frase polinesia “tatau”. Está compuesta de dos palabras, “ta” que significa dibujo o impresión y “tau” que significa piel.  Al unir las dos palabras adquiere el significado de dibujo en la piel. Cuando pensamos en tatuaje lo asociamos con piratas, rockeros, criminales, presos, motociclistas, en fin, sujetos subalternos a la norma social. Sugiero que este modo de pensar es hasta cierto punto un discrimen a este tipo de arte. Un buen artista del tatuaje invierte mucho tiempo, dedicación y esfuerzo, sin contar la inversión económica. El tatuaje no se trata de trazar líneas nada más, sino de la creación de una obra de arte en un lienzo tan delicado como lo es el cuerpo humano. Hay una gran diferencia entre la capacidad de dibujar y la capacidad de plasmar una obra de arte en el cuerpo de una persona. Aprender a aplicar un tatuaje a diferentes clientes con diferentes tipos de piel, por ejemplo color de piel, tipo de piel (grasa, reseca, normal, alérgica), entre otros, es una tarea complicada. Algunas de las destrezas que debe tener un buen artista del tatuaje, debe ser una persona con una destreza muy pulida respecto al dibujo con especial atención a los detalles; debe tener un buen ojo para el color, buen pulso, excelente visión, y un buen conocimiento de las medidas de seguridad para evitar contaminación cruzada, cómo esterilizar su equipo, cómo limpiarlo, cómo deshacerse de materiales contaminados como agujas, algodones y otras cosas. Una cosa es ser un artista en papel y otra cosa es ser un artista del tatuaje. Su medio es la piel, así que sus procesos son completamente distintos. 

El tatuaje, a mi entender, es un conjunto de ideas entre el artista y su cliente. El arte no proviene meramente del artista sino es una colaboración entre ambos. Muchas personas se tatúan por diferentes razones ya sea  para recordar a un ser querido, otros para decorar su cuerpo, hechos importantes como el nacimiento de un hijo, un amor, entre otras cosas. Cualquiera que sea su motivo, mirándolo desde una perspectiva artística, estos lienzos andantes quizá no pueden ser expuestos permanentemente en un museo, pero su museo es el mundo entero y pueden llegar a lugares que la pintura u otros medios de arte no podrían jamás llegar. 

Uno de los máximos exponentes de este medio y a orgullo nuestro, es el artista puertorriqueño Juan Salgado. Salgado presentó el pasado 21 de febrero en el Museo de Arte de Puerto Rico en Santurce, parte de sus trabajos artísticos los cuales realiza en lienzo, tablas, paredes y piel como parte de un evento titulado Arte Jangueo. No obstante, lo que más llamó la atención fue que, en vivo y a todo color, tatuó a una joven frente a todos los presentes.  De esta manera el público pudo ser parte del proceso tanto del que realiza el tatuaje como del que está siendo tatuado. Emociones diversas son experimentadas de las tres partes, el tatuador, el tatuado y el espectador. Esta presentación en vivo retó al público a pensar por sí mismo si el tatuaje es arte o no, al incursionar de manera directa a la esfera del mundo oficial del arte y los museos.

Pienso que el tatuaje no se le da el crédito que merece. No se le tiene un lugar específico en lo que se le considera como “high art” o arte oficial, pero debería tenerlo. Este medio es sumamente complicado y difícil, y no todos los que se consideran artistas lo pueden dominar.  Son muy pocos los que son reconocidos en este medio por lo retante que puede ser. Tal vez, esta percepción de la sociedad de que el tatuaje no es considerado arte de altura se debe a que cualquier persona, en esencia y realidad, tiene la capacidad de realizar un tatuaje o marca en el cuerpo de otra persona, pero está muy lejos de lo que podríamos considerar como arte por lo mediocre de su realización. 

El buen artista de tatuaje extrae de su imaginación los tatuajes, tiene un conocimiento sobre los elementos formales del arte y los principios de diseño, en adición a un dominio de las complejidades involucradas al ser su soporte la piel de su cliente, y no una superficie rígida e inmóvil como un lienzo. Claro está, a mi entender, no todos los tatuadores tienen el mérito de llamarse artistas. Como ser artista es una profesión no necesariamente regulada -me refiero a que no tienes que estar colegiado, tener una licencia, o haber estudiado sistemáticamente- realísticamente, cualquiera puede hacer un tatuaje, aunque sea de baja calidad.  La opinión de quién es un buen artista en términos generales lo tiene el espectador o el público, que con su opinión valida el trabajo del artista. En mi opinión personal, considero que el tatuaje es un arte, muy complicado por cierto, y que se le debe dar el lugar que merece en el mundo del arte, asunto que poco a poco vemos realizado, en manos de Juan Salgado y otros artistas del tatuaje, orgullos de nuestra isla.

[Kiara L. Meléndez Cruz]

Estudio de Juan Salgado 

Para más información sobre Arte Jangueo y la obra de Juan Salgado:

 http://www.primerahora.com/estilos-de-vida/cultura/nota/llegaeltatuajealmuseodeartedepuertorico-987823/

https://www.facebook.com/juansalgadoart

http://tattooalagorra.blogspot.com/p/historia-del-tatuaje.html

http://lemuriamartabalbi.blogspot.com/2010/02/blog-post.html

Los Intocables

[Yinely Padilla Martínez]

El derecho de la niñez debe ser protegido

-Erik Ravelo 

Los intocables es una serie compuesta de siete fotografías en las que se encuentran representaciones de niños en estado de crucifixión artificial. Estas fueron creadas y tomadas por el “disidente de la porquería”, como se hace llamar así mismo el artista cubano Erik Ravelo. El mensaje expuesto en las imágenes es claro y directo: siete niños crucificados –cada uno por distintas razones-, pertenecientes a diferentes etnias. El mensaje queda reflejado en el espectador al instante de observar las imágenes. Es una incitación a despertar consciencia sobre el maltrato infantil alrededor del mundo y los derechos que tienen los niños a la protección. Ravelo proyecta su visión de manera explícita, logrando que su punto de vista sea totalmente transversal en cuanto al público: pies descalzos que revelan la inocencia desarmada en un niño, rostros sumisos, inclinados y borrosos protegiendo su identidad, espaldas apoyadas en la cruz representando sus opresores. La Cruz es reconocida ante el mundo como un símbolo de cristianismo. Pero es una crucifixión que proyecta el sufrimiento a causa de una muerte lenta y dolorosa. En lugar de la figura de Jesús crucificado, nos encontramos las figuras de varios niños en la cruz en su misma postura, y en reemplazo de la icónica cruz, nos encontramos a los propios adultos que aparentemente infligen el maltrato alegado.

En las imágenes se exponen situaciones reales dentro de nuestra sociedad, en donde los niños resultan ser los más afectados. Entre los temas estudiados por el artista se encuentran: la controversial pedofilia en la Iglesia Católica, el abuso infantil en el contexto turista de Tailandia, la guerra en Siria, el tráfico de órganos en el mercado negro -donde la mayoría de las víctimas son niños de escasos recursos-, el fácil acceso a las armas en Estados Unidos, los desastres nucleares en Japón y por último, la obesidad infantil en el Occidente causada por las compañías de comida rápida.

                                                                La pedofilia en la Iglesia. 

En una entrevista Ravelo dice: “No puedo creer en un Jesús que habita en los templos del oro, el de los grandes palacios, si no el que caminaba descalzo entre los pobres, el que vivió entre los que sufren, ese que anduvo en la mar, no en la palabra vacía del que promulga su fe.” Sin duda, Ravelo es una persona espiritual que se aleja de las fronteras entre religiones. Dentro de sus propias convicciones religiosas, el artista cree en el Jesús humilde que despliega paz y amor a quien le rodea. Aquel que extiende sus manos para ayudar al necesitado. Formula que la fe y la bondad de la iglesia católica junto con su conocimiento debe ser libres para llevar sus enseñanzas más allá de los círculos opulentos de copas y vinos, si no encaminar sus fuerzas hacia la necesidad humana que se encuentra en lugares apartados el templo. Pues su maestro convivió con los más necesitados y les enseño cómo llevar una vida de fe y esperanza. A los sabios los corrigió ya que su sabiduría era usada para engrandecer la fortuna y el poder de su gobernante. Inequívocamente, la imagen más controversial de esta serie ha sido la representación de los casos de pedofilia manejados por el Vaticano. En los últimos años se han revelado casos en los que líderes de una religión se aprovechan de su poder para abusar de sus fieles más inocentes, los niños. Para muchos, la imagen fue considerada como ofensiva hacia sus creencias religiosas y no estuvieron de acuerdo con la publicación de la fotografía en cuestión, por lo que fue censurada en varias redes sociales a nivel internacional. Cabe recalcar que ésta fue la única imagen prohibida por su crítica directa a la iglesia.

Por otro lado, la imagen no debió ser censurada ya que en todas las profesiones hay personas que se desvían de sus deberes para los cuales fueron educados y se convierten en seres dañinos que pretenden mediante su conocimiento llevar inocentes hacia la degradación de sus sentimientos. Sin embargo, son muchos más los que ponen sus conocimientos a favor de los necesitados mientras otros los atraen a sus trampas para satisfacer sus placeres escondidos, dejando una profunda huella de dolor en aquellos que fueron fieles a sus doctrinas y ahora la miran como algo no tan bueno y mucho menos necesario.

La obra artística de Ravelo es un claro ejemplo de cómo el arte puede romper barreras entre idiomas para hacer llegar un mismo mensaje de concientización social a distintas culturas. Erick logra crear obras artísticas que se expresan de manera independiente. Las mismas tienen una excelente capacidad para comunicar y ser difundidas alrededor del mundo. Vemos la cruda realidad a la cual se exponen nuestros niños, los cuales, desafortunadamente son sumergidos en situaciones comprometedoras al ser engañados por adultos enfermos que- conscientemente o no- se rehúsan a ver el daño que les hacen para el resto de sus vidas a estos niños indefensos. El abuso cometido por estos violadores de derechos deben ser fuertemente castigados por los gobiernos y sus leyes los niños deben ser educados protegidos y alimentados. Además, darle una sana convivencia en nuestro espacio, que en el futuro será su herencia. Si los tratamos y les enseñamos bien no habrán mas fotografías artísticas como estas. Los niños necesitan que no se les solape su desarrollo creativo, que los dejen pintar el mundo con su sabia inocencia.

 [Yinely Padilla]

                                             La obesidad infantil causada por las compañías de comida rápida.

Para más información sobre la serie Los intocables:

http://erikravelo.info/los-intocables/#more